art contemporain

Une riche enquête éclaire la façon dont les artistes non-occidentaux trouvent place dans l’élite mondialisée de l’art contemporain. La valeur de leurs œuvres se construit dans leur interprétation et réappropriation par les intermédiaires qui les promeuvent à l’aide de leurs puissants réseaux.

Familier du monde opaque des galeries, Alain Quemin en dévoile les normes diffuses et les codes tacites, mais reste elliptique quant à la constitution des valeurs artistiques sur le marché de l’art.

Les documentaires, photographies et autres enregistrements du réel sont, pour Frédéric Pouillaude, de l’ordre de la « représentation factuelle ». Renonçant à la catégorie d’art documentaire, l’auteur cherche à caractériser ces œuvres qui portent sur des faits particuliers et non sur la fiction.

La déshumanisation des migrants est rendue hyper-visible dans les images médiatiques. F. Mazzara propose d’y résister en explorant les démarches d’artistes et d’activistes entreprises dans l’île de Lampedusa et ses alentours.

Quels sont les effets de l’œuvre d’art sur la conscience et sur la société ? L’art écologique renouvelle cette question de manière urgente, en appelant à l’amitié pour la nature mise à mal.

L’art contemporain est-il inaccessible, au point de se soustraire à toute « rencontre » avec le spectateur ? C’est la thèse défendue par Baptiste Morizot et Estelle Zhong Mengual, qui s’interrogent sur les conditions d’une réconciliation entre les œuvres et leur public.

Le corps contemporain est souvent pensé en termes binaires : masculin ou féminin, martial ou vulnérable, puissant ou misérable. Puisant dans la sculpture et dans la mode, le travail d’Alexandra Bircken propose d’autres représentations, qui inversent, voire font imploser ces polarités.

En 2008, le Musée d’art contemporain de Chicago ouvrait ses portes à Jeff Koons. L’occasion pour l’anthropologue collectionneur Matti Bunzl d’observer les relations de travail et de pouvoir qui structurent les choix esthétiques du musée.

Comment se détermine la valeur de l’art contemporain sur un marché de l’art globalisé ? Dans le domaine de l’art contemporain mainstream, la formation du prix résulte d’un processus multipolaire dont les artistes, les marchands et les collectionneurs n’ont plus l’exclusivité dans la mesure où interviennent désormais des intermédiaires obscurs ou invisibles.

Comment rendre compte de notre expérience du contemporain ? À travers une analyse transhistorique d’une catégorie encore largement mésestimée dans l’histoire des arts et les études littéraires, L. Ruffel décrit l’utopie d’un XXI^e siècle multiple, pluriel et pleinement démocratique.

Un peu partout dans le monde il est des lieux abandonnés, promesses de modernité que l’histoire, l’économie ou la politique ont brisées. Le collectif Suspended spaces a entrepris de projeter le regard d’artistes contemporains sur ces espaces fantomatiques.

Dans son dernier ouvrage, le sociologue américain Howard Becker revient sur les principes de sa méthode, et de ses relations avec les présupposés du sens commun. Il répond notamment à ceux qui l’accusent de relativisme moral.

Alors qu’il est exposé pour la première fois en Chine, ce portrait d’Ai Weiwei illustre le rôle crucial qu’a joué Internet dans le parcours politique de cet artiste provocateur, lieu de décloisonnement entre des milieux élitistes artistiques et intellectuels et la culture populaire des jeunes internautes chinois.

Le prix d’une œuvre d’art correspond-il à sa valeur artistique ? L’économiste Nathalie Moureau montre que valeur économique et valeur artistique de l’œuvre contemporaine sont généralement déconnectées, donnant lieu à l’apparition de bulles spéculatives. Trois facteurs principaux expliquent alors ce décalage : l’information médiatique, la recherche de distinction, la spéculation.

La sociologue Nathalie Heinich dresse un portrait global du monde de l’art contemporain. Choisissant des exemples saillants, la sociologue démontre que l’art contemporain correspond à une véritable révolution artistique.

Face à un art contemporain défiant nos modes de saisie habituels, Marianne Massin s’interroge sur ce qui a changé dans notre rapport à l’œuvre depuis quelques décennies. Elle montre alors que l’art contemporain est un terrain où se joue un renouveau de l’expérience sensible.

Jusqu’où va la dématérialisation de l’œuvre ? Une première monographie sur l’artiste japonaise Fujiko Nakaya détaille comment celle-ci sculpte le brouillard, produisant des œuvres en transformation incessante et en dialogue avec les conditions météorologiques et topographiques de leur environnement.

L’historien risque-t-il l’anachronisme en soumettant l’art moderne et contemporain au regard de l’art médiéval ? Osant l’analyse comparée, Alexander Nagel découvre de nombreuses similitudes entre deux périodes de l’histoire de l’art que rien ne semblait rapprocher.

Au Centre Pompidou à Paris, « Je suis Innocent », la rétrospective consacrée à l’artiste algérien Adel Abdessemed interroge : innocent pourquoi ? innocent de quoi ? Malgré les provocations mises en scène par l’artiste, l’exposition montre une œuvre qui se complaît dans le spectacle de la violence, sans être en aucun cas engagée.

L’exposition « L’Art en guerre » au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris rassemble plus de 400 œuvres produites en France entre 1938 et 1947. L’une de ses deux commissaires d’exposition, Laurence Bertrand Dorléac, décrypte les enjeux historiques et artistiques d’un art marqué par l’exil, l’occupation, et les camps.

Organisée par le Musée d’art moderne de la ville de Paris au printemps dernier, l’exposition « Resisting the Present, Mexico 2000-2012 » a choisi d’exposer de jeunes artistes mexicains engagés. À travers une esthétique plurielle, les œuvres de ces artistes évoquent un quotidien souvent violent dont ils ne se détournent pas. À travers quelques exemples choisis, cet essai permet de parcourir à nouveau cette exposition où engagement rime avec ici et maintenant.

L’art peut-il infléchir la réalité socio-politique du monde ? Doit-on choisir entre le contenu politique et les qualités esthétiques d’une œuvre ? Voilà des questions qui hantent l’art contemporain depuis la fin des années 1960. Pourtant au delà des nombreux écueils qui minent le terrain de la réconciliation du beau et du politique, certains artistes (Kara Walker, Brigitte Zieger) exacerbent la capacité de séduction formelle de leurs œuvres afin de ramener le spectateur à une réalité aussi brute qu’inattendue.

Depuis la fin des années 1960, la question de la portée politique de l’oeuvre littéraire et artistique n’a cessé de se poser, interrogeant sa capacité à concilier enjeux politiques et esthétiques. Dans ce débat qui ne cesse de s’enrichir à mesure que la définition de l’oeuvre devient plus complexe, passer par l’exemple et le particulier devient inévitable et nous permet de saisir comment certaines oeuvres aboutissent à un équilibre, sinon à une conciliation, efficace.